L’œuvre de George Gershwin : clé de l’émancipation artistique et sociale des migrants européens aux États-Unis ?

Crédit : United States Library of Congress’s Prints and Photographs division

L’héritage de la tradition juive d’Europe et l’ouverture vers l’Amérique nouvelle

 

Co-écrit avec Elise Pacot

 

Abstract : Né en 1898 d’une famille d’immigrés juifs russes, Jacob Gershvin – plus tard George Gershwin – est le symbole musical de la nouvelle société américaine du début du XXe siècle. Très tôt, le jeune George Gershwin se passionne pour la musique après avoir entendu la Mélodie en Fa d’Anton Rubinstein au coin d’une rue. Il s’intéresse alors au théâtre yiddish, à la musique de Joseph Rumshinsky ou encore aux opérettes d’Abraham Goldfaden. De par cette sensibilité culturelle, sa musique est empreinte d’une multiplicité d’influences. Fils d’immigrés non pratiquants, George Gershwin est la représentation même du dandy américain qui a réussi. Il symbolise l’American Dream et semble porter en lui-même les espoirs et la richesse d’une Amérique florissante. George Gershwin, dans son apport à la musique américaine, pourrait être le porte-parole de l’école de Chicago considérant le migrant comme une personne libre, positive pour la société actuelle et clé pour la modernité de celle à venir. À travers une représentation musicale d’une Amérique vibrante, Gershwin, créateur de la Rhapsody in Blue, devient un élément de communautarisation particulière.

 

Fuyant les pogroms et les ghettos instaurés en Russie, Rose Brushkin, accompagnée de sa famille, débarque à Ellis Island en 1891. En même temps, Morris Gershovitz, lui aussi juif, pose le pied sur le sol américain. Ne parlant que le yiddish et le russe, il va se frayer un chemin dans le New York prospère et prometteur d’un avenir certain pour tous les migrants jusqu’à l’East Side où vivent les Brushkin dans le but d’épouser Rose. Ils se marieront en 1895. De cette union naîtra Jacob Gershvin en 1898, qui deviendra plus tard George Gershwin. Dans une volonté d’intégration, Morris et Rose inscriront George sur le certificat de naissance[1]

Envouté par la lodie en Fa d’Anton Rubinstein, passionné par le théâtre yiddish et influencé par la ferveur de Broadway et Tin Pan Alley, George Gershwin, fils d’immigrés européens va être le « messie musical » tant attendu par les musiciens et artistes d’avant-garde de son époque. Sa musique, tantôt décriée, tantôt acclamée, fera l’objet de nombreuses remises en cause. Pourtant, ses rhapsodies, ses concertos et ses opéras sont les seuls à porter les espoirs d’émancipation et de reconnaissance des populations migrantes. Dans une Amérique vibrante, où les espoirs se heurtent aux échecs, où l’extrême richesse croise la misère la plus totale, où l’ombre de l’American Dream plane au-dessus des populations défavorisées, Gershwin représente un espoir de reconnaissance, d’émancipation artistique et intellectuelle d’une société coincée entre passéisme et modernité.

 

Un compositeur du melting-pot, symbole de l’École de Chicago

 

Les parents de George Gershwin ont appartenu à la vaste vague d’immigration juive russe de la fin du XIXe siècle. En effet, entre 1881 et 1924, un tiers des juifs d’Europe orientale et plus particulièrement de l’Empire russe quittent leur pays d’origine. Près de 90% des migrants se rendent en Amérique. Pendant plus de 30 ans, les immigrants juifs d’Europe orientale affluèrent aux États-Unis. Rejetés par la société russe où ils étaient contraints de vivre dans la « Zone de Résidence » puis victimes des pogroms, les Juifs russes percevaient les États-Unis comme une terre promise où s’allègeraient leurs souffrances. 

Né en 1898, George Gershwin grandit dans la grande période des programmes d’américanisation des immigrés, lesquels commencent en 1914. Toutefois, la société américaine est partagée entre une vision positive de la culture des immigrés ainsi qu’une vision de l’américanisation impliquant l’assimilation. La transformation de son nom d’origine Jacob Gershowitz en George Gershwin est un parfait exemple de ces volontés d’assimilation opérées par les communautés juives orthodoxes. Ces années d’immigration massive sont un moment charnière de la définition de l’identité américaine. Après tout, le terme « Américain » dénote une large variété de peuples, d’origines ethniques et de cultures, un large éventail de phénomènes sociaux, politiques, intellectuels et artistiques. La vie de la plupart des immigrants est un diélectrique entre les souvenirs du monde laissé derrière et les luttes quotidiennes pour apprendre les ficelles d’une nouvelle société. Les communautés immigrées trouvent généralement du réconfort dans les traditions et les rituels religieux familiers. Même si la famille de Gershwin n’était pas pratiquante, les mœurs de son temps les ont obligés à s’installer dans le quartier juif de Manhattan. Ce qui explique pourquoi ses compositions sont parfois inspirées de chants yiddish (langue traditionnelle des juifs ashkénazes). Toutefois, tous les immigrés ne se tournent pas uniquement vers le passé pour trouver un sens ou pour exprimer leurs désirs. Certains immigrants, et leurs enfants en particulier, sont inspirés par la possibilité d’une expression innovante dans les arts, la culture et les passe-temps américains. 

Cette expression multiculturelle des arts est celle à laquelle aspire George Gershwin. En effet, ce dernier a montré un chemin vers un nouvel art musical américain à l’image de cette nouvelle société américaine du début du XXe siècle. Pour Gershwin, une musique américaine, par définition, doit être éclectique et pluraliste, un melting pot, si elle veut refléter largement et fidèlement la société dont elle est issue. De cette manière, cette perspective multiculturelle combinée au grand talent et à la détermination de George Gershwin a permis une innovation culturelle sur le plan musical. Son plus grand chef-d’œuvre, la Rhapsody in Blue, en est une véritable illustration.

 

La Rhapsody in Blue comme représentation d’une Amérique vibrante

 

Le 12 février 1924, au Carnegie Hall, temple de la musique classique, George Gershwin réalise ce que tous les grands auteurs américains ont tenté de faire dans le passé. C’est en écrivant la Rhapsody in Blue, savant mélange de musique classique, d’influence yiddish et de jazz, que le compositeur offrira au monde la « grande œuvre américaine » recouvrant toutes les réalités d’un pays multiforme. Ce soir du 12 février 1924, c’est l’Amérique des migrants que l’orchestre du Carnegie Hall joue. La Rhapsody in Blue symbolise dès lors l’Amérique nouvelle et populaire.   

C’est de l’école de Chicago que nous pouvons rapprocher cette œuvre. De par sa vie et ses opinions, Gershwin n’est pas « l’homme marginal » défini par Park, en tant « qu’individu qui vit sur la marge de deux cultures et deux sociétés dont l’interpénétration et la fusion ne sont jamais complètement réalisées » car il se sent profondément américain, même s’il n’oublie pas ses origines. En réalisant sa rhapsodie, le compositeur dépasse cette idée d’homme marginal. S’il ne règle pas le souci de l’intégration sociale des migrants, George Gershwin fait rentrer la musique populaire, celle des migrants, dans une enceinte qui était jusqu’ici réservée à l’élite blanche américaine. Gershwin, fils de migrants, symbole de la modernité musicale, bientôt considéré comme le « roi de New-York », parvient tout de même à représenter le visage de l’homme contemporain, individu hybride et déraciné, qui cherche à mélanger deux identités. 

Il rejoint également William Thomas, autre représentant de l’école de Chicago, en mettant sous la forme de notes de musique les idées d’instabilité et de redéfinition perpétuelle de la ville. La Rhapsody in Blue, de par ses influences classiques européennes et « jazzistiques » américaines met en musique l’idée d’une ville marquée par l’effritement des normes morales et sociales traditionnelles. En s’inspirant d’un New-York vibrant, en pleine redéfinition, multiculturel, George Gershwin ne fait pas de la musique classique. Il ne fait pas non plus du jazz. Ce soir-là, au Carnegie Hall, à travers une rhapsodie décrivant la désorganisation sociale chère à William Thomas, George Gershwin invente la musique classique américaine. 

Gershwin s’inspire d’une population mouvante, d’une population migrante sans laquelle sa source d’inspiration, l’Amérique, n’existerait pas. Autrement dit, c’est en partie grâce aux phénomènes migratoires que la rhapsodie possède ce style si particulier, mélange savant du faste de la musique classique européenne et du trivial de la musique populaire apportée par les populations migrantes.

Né à Brooklyn, quartier concentrant une forte population juive, Gershwin, bien qu’il ne soit pas issu d’une famille modeste, est conscient du quotidien des migrants qu’il fait entrer au Carnegie Hall par sa musique. Mais Gershwin n’est pas seulement le compositeur des juifs. 

Si Gershwin parvient si bien à refléter la réalité américaine dans sa musique, c’est parce qu’il provient lui-même du peuple et qu’il a réussi, à travers ses compositions, à donner l’image d’une Amérique multiculturelle.

 

Gershwin, compositeur faisant communauté : l’exemple de Porgy and Bess

 

Au début du XXe siècle, l’Amérique est l’épicentre des migrations internationales. Elle devient la terre d’accueil de nombreux européens. Dans cette société américaine multiethnique et multiculturelle, les migrants s’organisent rapidement en syndicats. Ces derniers sont très hiérarchisés, avec à leur tête la communauté juive qui représente notamment la communauté afro-américaine. Durant cette période, les juifs militent ardemment pour les droits des noirs. Selon Nathan Glazer et Daniel Moynihan, dans leur ouvrage Beyond the Melting Pot, les deux communautés sont obligées d’entretenir des relations cordiales car elles doivent cohabiter dans les mêmes quartiers. Harlem, avant d’être un quartier à majorité noire, était une zone de forte concentration juive. Les tensions sont moins sociales que « culturelles ». 

L’abolition de l’esclavage n’est pas la garantie d’intégration des populations afro-américaines dans la société étatsunienne de la fin du XIXe siècle. Entre 1880 et 1950, près de 5 millions d’afro-américains du Sud fuiront vers les grandes villes du Nord en quête d’une plus grande reconnaissance. La naissance du jazz accompagne ces migrations internes. En effet, une partie des afro-américains vivent de l’entertainment pour survivre. L’arrivée des migrants juifs au début du siècle va être perçue comme une menace. Selon les afro-américains, cette part de la population va s’attribuer la culture jazz et vont être favorisés par le système ségrégationniste du fait de leur peau blanche. Ainsi, la cohabitation nécessaire des deux communautés n’efface pas l’animosité mutuelle qui existe dans le show-business américain du début du siècle. En 1935, avec la représentation de son opéra Porgy and Bess à Boston, George Gershwin va se faire l’interprète d’une Amérique miséreuse, celle des pauvres. Le compositeur veut créer une œuvre multiculturelle qui restera dans les annales de la musique classique. 

Lors de ses deux voyages dans le sud des États-Unis chez son ami Edwin Du Bose Heyward, Gershwin s’imprègnera de la culture afro-américaine à travers l’étude des spirituals et des gospels, notamment chez la communauté gullah de St. James Island. Il fréquente également des compositeurs noirs de jazz comme James P.  Johnson (chez qui Gershwin prendra des leçons) ou encore Duke Ellington qui sont fortement influencés par l’héritage de la migration forcée lors de la traite des noirs. Gershwin est souvent considéré comme un « outsider » de la musique américaine. Parce qu’il est juif et qu’il connaît l’antisémitisme, le rejet d’autrui en raison de l’appartenance à une communauté, il est capable de comprendre la ségrégation que vivent les populations noires. 

Cette sensibilité à la problématique ségrégationniste ne date pas des années 1930. Dès 1922, George Gershwin avait écrit un opéra intitulé « Blue Monday », traitant de la vie quotidienne des habitants de Harlem. Pour diriger l’orchestre, le compositeur avait désigné Will Vodery, un chef d’orchestre noir. De plus, avec son frère Ira, George souhaitait que l’ensemble des comédiens soient afro-américains, rompant ainsi avec la culture du blackface et de minstrels. 

En mêlant la culture lyrique européenne, ses influences de la musique traditionnelle yiddish et la musique populaire afro-américaine, George Gershwin crée un opéra jaillissant du melting-pot américain. Il parvient savamment à mêler la symbolique du jazz noir avec le lyrisme de la musique européenne. Porgy and Bess, encore plus que la Rhapsody in Blue, est bien plus que l’opéra des migrants internes comme externes. C’est celui de l’Amérique multi-ethnique et multiculturelle. Si encore aujourd’hui, autant d’individus, quelque soit leur origine, parviennent à se reconnaître dans l’œuvre de George Gershwin, c’est parce que ce dernier a su créer une œuvre capable de saisir l’identité métisse des États-Unis des années 1930, une identité fondée sur les migrations internes et externes. Dans une certaine dimension sociologique, Porgy and Bess, dans ses influences multiples, peut être considéré comme un outil d’assimilation des diverses ethnies migrantes à la société américaine. Autrement dit, Porgy and Bess représente l’aboutissement de la représentation du melting-pot américain dans l’œuvre de Gershwin. L’opéra sera un succès en demi-teinte et les changements définitifs de la musique américaine qu’espérait Gershwin n’arriveront pas avant sa mort deux ans après la première représentation. Cependant, George était convaincu de son talent et de sa capacité à changer la musique américaine : Porgy and Bess est un exemple de cette réussite.

 

George Gershwin meurt en 1937, à l’âge de 38 ans. Avec lui, meurt également la musique américaine qu’il avait initié, celle d’une Amérique qui aurait pu comprendre l’apport de la migration à la culture des États-Unis. Si Gershwin est aujourd’hui considéré comme un significant composer et s’il ne meurt pas dans l’indifférence, la critique mettra du temps à saisir les impacts sociétaux qu’a exercé la musique du « roi de New-York ». 

Il ne faut cependant pas tomber dans les travers de l’admiration naïve des apports de la musique de Gershwin à la culture américaine. Son œuvre n’avait pas vocation à mettre fin aux inégalités sociales que subissaient les migrants. Gershwin n’était pas un activiste mais un artiste multiculturel convaincu de l’immortalité de son œuvre. Elle permet de rappeler que les migrants, qu’ils soient juifs, polonais, italiens, allemands ou afro-américains, avec leur sensibilité et leur art sont à l’origine de la naissance de la culture américaine. 

Grâce à George Gershwin, l’âme américaine, celle des migrants, des laissés-pour-compte et des quartiers populaires, a une couleur : le bleu. Cette couleur, c’est aussi celle du jazz, symbole d’une musique populaire et métissée immuable qui gagne désormais les temples de la musique classique.

 

 

Bibliographie

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Green Nancy L., « Juifs et Noirs aux États-Unis. La rupture d’une ‘‘alliance naturelle’’ », Economies, sociétés et civilisations, 42e année, n°2, 1987, p. 445-464.

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Saul Jay-Singer, (2019, 13 novembre), “George Gershwin’s Jewish Music,” Jewish Press website, https://www.jewishpress.com/sections/features/features-on-jewish-world/george-gershwins-jewish-music/2019/11/13/ 

Szlamowicz Jean, “You can’t be serious ! Gershwin et l’entre-deux américain,” Revue Française d’études américaines, n°117, 2008, p. 26-49.

 

[1] Le passage de Gershvin à Gershwin est probablement le fait d’une erreur commise lors de l’enregistrement à l’état civil. 


OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Matthieu Pepe (10 août 2021). L’œuvre de George Gershwin : clé de l’émancipation artistique et sociale des migrants européens aux États-Unis ? Questions Géopolitiques. Consulté le 23 juillet 2024 à l’adresse https://doi.org/10.58079/p09o


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